martes, 20 de noviembre de 2012

El dibujo; un lenguaje universal



Se considera al dibujo como el lenguaje gráfico universal, utilizado por la humanidad para transmitir sus ideas, proyectos y, en un sentido más amplio, su cultura.
Nos valemos del dibujo para representar objetos reales o ideas que, a veces, no podemos expresar fielmente con palabras. Los primeros dibujos conocidos se remontan a la prehistoria, como los que se encuentran en las Cuevas de Lascaux y Altamira, donde nuestros antepasados representaron en los techos y paredes de las grutas lo que consideraban importante transmitir o expresar, otorgándole un "sentido mágico" y realizándolos en un acto ritual.



De las primeras civilizaciones rescatamos los estudios de las proporciones y la perspectiva en un intento por Representar fielmente la realidad.







El dibujo, de la mano de los grandes maestros del Renacimiento cobra autonomía y se transforma en el Estudio Previo a Cualquier otra manifestación artística. El dibujo es el lenguaje universal, Porque sin mediar palabras, podemos Transmitir ideas que todos entienden de modo gráfico.



























El dibujo es el arte de Representar gráficamente objetos sobre una superficie plana. Es la base de toda Creación plástica y es un medio convencional Para expresar la forma de un Objeto Mediante líneas o trazos.
Informacion tomada de: http://tadpsj.blogspot.com.br/2010/03/taller-de-dibujo-dia-viernes.html

miércoles, 14 de noviembre de 2012

Cola de Conejo para imprimir lienzos

La cola de conejo se extrae de la piel del conejo y resulta ser una sustancia pegajosa, como una resina, elástica y que estira mucho las telas.Pero muy apestosa…
Para quien no pueda comprarla, la cola de conejo se consigue al calentar pieles de conejo con sales, algo así, por hidrólisis.
Cola de conejo en grano para imprimar

Estando aqui en mi pequeño taller, en el que ya me queda poco tiempo pues pronto cambiaré de residencia, y rodeada de cuadros recien imprimados con cola de conejo… el apestoso aolor me convence para iniciar un tema  por el que mucha gente me pregunta. Yo aconsejo muchas veces imprimar con látex las telas pues resulta más fácil para mucha gente. Sin embargo el látex puede dejar arrugas en la tela, lo cual fastidia mucho pues si la tela no estaba bien planchada, la arruga ya no se irá.
Por ello, rápidamente, voy a repasar el proceso de imprimación con cola de conejo:
  1. Poner a remojo la cola de conejo, ya sea en tableta o en grano. Aconsejan una noche a remojo. 1 litro de agua por 70g. Se convertirá en una masa gelatinosa que podemos cortar a trozos con las tijeras para que se disuelva mejor.
    Según la tela se puede disminuir la proporción de cola puesto que si el grosor es fino la estirará muy fácilmente.
  2. Meter en un bote de cristal o similar, de barro, para hacer baño maria. De 100 g de cola meteremos medio litro más de agua.
  3. Meter el bote dentro de una cazuela con agua y poner la cazuela a fuego lento. El baño maría transmite el calor lentamente y la cola se disuelve poco a poco.
  4. Una vez caliente y disuelto se puede añadir el pigmento e imprimar. Si se desea la cola más suave añadiremos agua. Si se necesita mucha potencia para estirar la cola menos agua.
Cuando la cola se enfría vuelve a convertirse en una masa gelatinosa. Es preferible gastarla el mismo dia que se ha preparado y si ha de guardarse lo que sobra, aconsejan meterla en la nevera y gastarla nates de una semana. Yo la guardo el sitio fresco, pero no en la nevera puesto que da un poco de asquito…
Cuando vamos a imprimar la tela, extendemos la pintura desde el centro hacia los bordes. No hace falta haber estirado mucho la tela pues la cola la estirará, pero debe estar igualada y bien puesta sobre el bastidor.
La cola suele pegar la tela al bastidor. Yo aconsejo que se despeguen con los dedos, poco a  poco sin lastimar la tela. El lienzo ganará en elasticidad si se hace. Para volver a estirar la tela y que no queden marcas de los dedos se pasará una brocha mojada con agua por la parte de atras de la tela. El agua hará que la cola vuelva a estirar la tela y esta vez ya no quedará pegada a las maderas.
Para añadir capas de pigmento se puede poner un mínimo de cola, bastante agua y el pigmento, espesandolo al gusto.
Espero que esto sirva a mucha gente. Es bastante complejo y a veces problemático, por ello, a quien no pueda hacer esto tan largo, le sigo aconsejando el látex…

Pinceles de Bellas artes y como limpiarlos.

Más vale comprar un buen pincel que durará años que montones de pinceles de mala calidad con los que tendrás que pelearte para poder pintar una simple linea recta.
Comprar un buen pincel es todo un arte, pero básicamente hay que conocer sólo un par de cosas para no meter la pata y para no gastar dinero en pinceles que no durarán nada y perjudicarán nuestro trabajo.
Pinceles de arte
Pinceles de arte

¿Cómo se sabe si un pincel es de buena calidad?

El pincel debe poder acumular en su mechón de pelos, bastante cantidad de agua o pintura diluida (en acuarela) o pasta densa (en óleos) para que podamos aplicar pinceladas largas.
Además, el pincel debe poder soltar la pintura de un modo contínuo y homogéneo mientras pintamos.
La punta del mechón debe permitir el trazado de líneas finas y detalles pequeños.
La elasticidad de un pincel significa que el mechón de pelo vuelve a su forma tras pintar con él. Debe ser así pues la forma de os pinceles es perfecta para acumular la pintura y si se deforma no podremos controlar cómo suelta la pintura en el lienzo o papel.
La práctica con los pinceles nos hace aprender a usarlos y al final la mano sabe perfectamente cómo debe ser el gesto para lograr un tipo de pincelada. Por eso, que el pincel esté en perfecto estado es primordial.
Si los pelos del pincel están destrozados será imposible aplicar pinceladas concretas.
Por otra parte, con los pinceles viejos se pueden crear texturas y pinceladas de otro modo, por lo que, si el pincel sigue recogiendo suficiente pintura y por lo tanto nos sirve, aconsejo guardarlos. Los pinceles que acumular pintura seca ya no sirven para nada.
En resumen, el precio del pincel marca su calidad. Los baratos suelen se muy malos. Además también hay mucha imitación sintética de pinceles, que pueden servir muy bien.
Pincel de marta kolinsky
Pincel de pelo de marta kolinsky, llamada también comadreja siberiana, considerado el mejor pelo para pinceles.

¿Cómo deberíamos limpiar los pinceles?

El pelo natural de los pinceles es el que más capacidad tiene para absorver pintura. Pero es necesario limpiarlo a fondo después de pintar si no queremos que pierda esa propiedad. El aguarrás y las sustancias químicas lo estropean mucho.
Lo mejor es el jabón, e incluso un segundo labado final con champú dejándolo reposar nos minutos para que vuelva a estar elástico y fuerte.
Lo que yo hago con los pinceles al óleo es primero con un papel retirar la pintura. Intento no tirar óleo o aguarrás por el desague ya que es muy contaminante. Después con jabón en pastilla y un poco de agua voy sacando más pintura en forma de espuma densa que recojo en un papel que tiro a la basura. Al enjabonarlo no hay que hacer mucha fuerza o el pincel se deformará, y hay que intentar mantener su forma al lavarlo.
Cuando ya le queda muy poca pintura se sabe porque la espuma del jabón sale blanca. Entonces se enjuaga con agua y se hace un último jabonado con champú ph neutro, se deja unos minutos que se revitalice el pelo y por último se enjuaga bien.
Para secar los pinceles aconsejan dejarlos en posición horizontal, aireados para que se sequen bien. Por eso se utilizan esterillas de bambú, donde se encajan y se guardan en horizontal haciendo un rollo.

Fabricar nuestros propios pinceles

Si algún día queremos pintar pero estamos en un lugar del mundo donde no hay tiendas de bellas artes… ¿porqué no hacer nuestros propios pinceles? Es una idea que me encanta aunque no lo he podido lograr. Sin embargo se puede intentar y dejo además un par de videos sobre ello.

Materiales para crear un pincel:

- EL mango: Un palo de madera, al que le haremos un agujero para poder meter los pelos del pincel. Una caña puede ser estupendo porque se vacia muy fácilmente su interior.
- El mechón: Pelo de animal. Que debe ser fuerte y no demasiado fino. Los animales por excelencia para ello son: la marta kolinsky, ardillas, turón, oreja de buey (pelo del interior de sus orejas, si), cabra, cerdo y caballo. (Lista completa en la Wikipedia)
- Cola para unir los pelos del pincel y el palo.
- La virola: Una sujeción para reforzar la unión de los pelos y el palo. Puede ser un alambre, un trozo de metal redondeado o una cuerda fuerte.
Y después de unir estas piezas habría que hacerle un buen corte de pelo al mechón para que se quede como nos guste.
Y como este pincel es bastante rudimentario dejo aquí un par de videos de youtube donde se ve cómo fabrican los pinceles en una fábrica y otro de un artesano.
Fábrica de los famoso pinceles Escoda: (Documental en inglés)

Artesano haciendo un pincel de modo casero:

Lo malo de este pincel casero es que el palo es demasiado grueso y es incómodo a la hora de pintar, pero da una idea de cómo se podria hacer. También depende del tipo de pincel que se necesite. Se pueden hacer brochas y pinceles gruesos.
Los más dificiles son los de lengua de gato y redondos. Esos, mejor comprarlos.

Corregir un cuadro ya pintado.

Corregir un cuadro ya pintado siempre es un problema pero, cuando es preciso hacerlo, es mejor pensar un poco el cómo y no pintar directamente encima. Si hemos cambiado de opinión o nos hemos dado cuenta de un error en la imagen, debemos aceptar en principio que “la hemos cagado”., así dicho finamente…
El caso es que muchas veces merecerá la pena empezar de nuevo porque corregir una parte es como una “violación incómoda” para el soporte. Es duro de aceptar pero … una cosa es añadir y otra suprimir algo donde queremos añadir otra cosa. Aquello suprimido siempre deja una huella y forma parte de la obra.
Con este pesimismo, sin embargo, me atrevo a inventar algunos consejos para corregir las pinturas.

realizacion-acuarelaCorregir errores en la pintura al ÓLEO
Corregir óleo ya seco
Cuando tenemos una pintura al óleo ya seca y deseamos cambiar una parte, podemos lijar o rascar la pintura con una lija o similar de modo que poco a poco extraemos la capa de pintura seca. Esto se debe hacer con mucho cuidado sobretodo si el soporte es una tela. La lija fina de madera puede ser más útil puesto que lija mucho y su grano es fino. Después hay que igualar la superficie del lienzo con el resto de la pintura. Así podremos añadir una capa de pintura con lo deseado. Y con mucho cuidado integrarla al conjunto.
Si no hacemos el lijado y pintamos encima directamente, las capas de pintura que se queden abajo formarán parte de la imagen.
El artista debe considerar si esta capa de pintura debajo será molesta o no será casi percibida.
El problema de pintar encima consiste en que el soporte ya ha recibido un volumen de pintura y una textura de pincelada. Aunque cambiemos un color, el espesor de la pintura de abajo y su textura se apreciarán.
Corregir óleo húmedo que aún no ha secado
Se puede disolver con esencia de trementina o aceite de lino y retirar la pintura con trapos o pinceles. Es posible recuperar el espacio rápidamente y volver a pintar encima. Mientras la pintura al óleo no se haya secado mucho se podrá humedecer así incluso con evaporizador o spray (relleno del disolvente) . Según cómo sea el cuadro y la zona donde hay que retirar pintura, se puede colocar el cuadro en una mesa y horizontalmente de modo que, al disolver la pintura, no caiga hacia abajo y afecte a otras zonas inferiores.
Corregir errores en la pintura ACRÍLICA o GOUCHE
Los acrílicos son un paso intermedio entre la gran capacidad de corrección del óleo húmedo y la imposibilidad de la acuarela (que se seca al instante sobre un papel).
El acrílico mojado se puede retirar igualmente con un trapo limpio. Pero su secado es más rápido que el óleo y cuando ya está seco, hay que rascarlo o lijarlo. Si se pinta sobre el acrílico seco se notará especialmente porque esta pintura posee mucha transparencia.
Para hacer que un color se vuelva más opaco hay que añadir blanco o negro, lo que hace que quede perdido el color. Se puede hacer esto para aplicar el tono y después añadir una veladura (transparente) con el color puro.
Corregir errores en la ACUARELA
En mi opinión es imposible corregir una acuarela, excepto cuando el error es leve. Tanto si se una lejía como un papel absorbente para retirar el color… se notará. La acuarela es especialmente sensible a cualquier retoque o corrección puesto que su soporte es el papel. Su arte se basa en la calidad de la pincelada hecha a la primera.
Si la obra es más libre que una representación, siempre se puede oscurecer la zona afectada por una mancha o error pictórico.
Como remedio desesperado se puede hacer un cambio a Gouche o temperas (pinturas que tiene una base de color blanco y que si permiten tapar colores). Pero con ello se cambia de técnica, asi que… ¡Qué Dios te salve!

Más vale prevenir que curar

Todo el problema de la corrección de obras radica en que una pintura se realiza globalmente. Todas sus partes están unidas desde el principio y la pintura va creciendo con las aplicaciones que hace el artista. Este conjunto madura unido hasta su finalización. Es como la vida del cuadro: Nace, crece, se desarrolla y cuando el artista lo da por terminado, muere dejando un brillante reflejo de lo que es y será eternamente. Corregir o borrar es querer volver atrás en el tiempo, es querer educar a un adulto que de niño fue malcriado… se puede pero, ¡que duro y difícil nos va a ser! De verdad, el cuadro es como un hijo… si cuando ya es mayorcito quieres reformarlo acabará revelándose contra ti y deformándose para tu mayor disgusto.
Más vale prevenir que curar, dice el dicho… en nuestro caso, como creadores, más vale prepararse bien antes de empezar a pintar que tener que corregir nuestros errores impulsivos después. Y a la hora de corregir hay que analizar priemero las posibles soluciones en vez de pintar encima directamente.
Y una última cosa, no hay que tener miedo a equivocarse porque todas las equivocaciones en esta vida, nos encaminan hacia el acierto final.

¿Cómo saber la calidad de una pintura?

¿Cómo saber la calidad de una pintura? Ya sea al óleo, acrílico o acuarelas, los pigmentos que contienen y las características definidas por el fabricante están descritos en el envase de la pintura, prácticamente igual en todas las buenas marcas.
Existen unos cuantos colores que históricamente han dado muy buenos resultados y resultan imprescindibles para todo buen colorista. Están presentados por gama cromática en diversas entradas del blog y se pueden consultar aquí:

Colores y pigmentos profesionales

En estos listados pueden verse los nombres profesionales de los colores y sus propiedades

¿Pero cómo saber si nuestras pinturas son de calidad?

Los fabricantes deben poner toda la información sobre el producto, con qué pigmentos está hecho el color, su permanencia (estabilidad con el paso del tiempo), la resistencia a la luz, la opacidad, etc.
Si observamos el envase de una pintura al óleo, por ejemplo, veremos una serie de símbolos (enumerados en la foto) y que sirven para explicar las características de ese color específico.

Características de las pinturas:

Viendo esta imagen podemos diferencias los símbolos enumerados que a continuación explico:
Símbolos del fabricante de colores
  1. Resistencia a la luz / permanencia.

    +++ = un mínimo de 100 años de solidez bajo iluminación de museo.
    ++ = 25 – 100 años de solidez bajo iluminación de museo
    La resistencia a la luz ha sido testada según la norma ASTM D4303.
    La abreviatura ASTM significa American Society for Testing and Materials (Asociación Americana para Pruebas y Materiales). Esta organización ha establecido normas de rendimiento para los materiales artísticos, que incluyen la solidez a la luz de los colores.
  2. Opacidad/transparencia

    Opacidad o transparencia del color
    Transparente, Semitransparente, Semiopaco y Opaco.
    Cada pigmento posee propiedades específicas en cuanto a poder cubriente (opaco) y transparencia (transparente). Hay pigmentos muy cubrientes y pigmentos muy transparentes. También hay pigmentos con valores intermedios.
    La información referente a la opacidad/ transparencia es importante para el pintor para la ejecución de determinadas técnicas, por ejemplo en la aplicación de veladuras. Los colores transparentes dejan totalmente visible el color subyacente, mientras que los colores opacos lo cubren total o parcialmente. Y, por supuesto, en este aspecto también influye el grosor de la capa.
  3. Número de color

    Este número puede usarse en vez del nombre de color. Cada color tiene un número único.
    En esto cada fabricante define su sitema para crear sus cartas de colores.
    El Índice de colores internacional es la norma recogida y publicada tanto por la Sociedad de tintoreros y coloristas (The Society of Dyers and Colourists) como por la Sociedad americana de químicos y coloristas textiles (American Association of Textile Chemists and Colorists).
  4. Serie de precio

    Indica la serie de precio del producto.
  5. Pigmento

    Se refiere a los pigmentos usados en el producto.
    Cada pigmento se puede identificar universalmente por su nombre genérico del índice de colores. Por ejemplo: el Sombra tostado es el pigmento marrón 7, abreviado como PBr7.

Listado completo de los colores / pigmentos profesionales más importantes:

-Pinturas azules
  • PB 29 Azul ultramar
  • PB 27 Azul de Prusia
  • PB 28 Azul de cobalto
  • PB 74 Azul cobalto oscuro
  • PB 36 Azul cobalto turquesa
  • PB Azul ftalo cyan
  • PB Azul ftalo turquesa
  • PB 35, PB 36 Azul cerúleo
- Pinturas violetas
  • PV 23 Violeta de dioxazina
  • PV 15 Violeta ultramar
  • PV 49 Violeta cobalto
  • PV 14 Violeta cobalto oscuro
  • PV 16 Violeta de manganeso
- Pinturas verdes
  • PG 36 Verde de ftalocianina
  • PG 36 + PY 110 Verde Hooker
  • PG 17 Verde óxido de cromo (verde oliva)
  • PG 7 y PG 3 Verde permanente
  • PG 18 Verde esmeralda (Viridian)
  • PG 50 Verde cobalto
  • PG 23 Tierra verde
  • PG7 y PY 42 Verde vejiga
Pinturas Rojas
  • PR 112 Rojo Naftol o permanente
  • PV 19 Rosa de quinacridona
  • PV 19 Magenta de quinacridona
  • PO 20 Rojo de cadmio naranja
  • PR 108 Rojo de cadmio medio
  • PR 264 Carmín o rojo pyrrol
  • PR 188 Laca escarlata o escarlata naftol
Escarlatas, púrpuras y magentas
  • PW 4, PW6, PR23 Rosa medio
  • PV 14 Violeta cobalto
  • PR 122 Magenta de quinacridona
  • NR 9 Rosa Madder
  • PR 122 Rosa de quinacridona
  • PR 83 Carmín de Alizarín / alizarina
- Pinturas amarillas
  • PY 3 Amarillo limón
  • PY 153 Amarillo indio
  • PY 35 Amarillo de cadmio medio
  • PY 35 Amarillo de cadmio claro
  • PY 97 Amarillo permanente
  • PY 37 Amarillo de cadmio oscuro
- Tierras
  • Pbr 7 Ocre dorado transparente
  • Pbr 7 Tierra de siena tostada
  • Pbr 7 Tierra de siena natural
  • Pbr 7 Rojo óxido de hierro (rojo inglés)
  • Pbr 7 Tierra de sombra natural
  • Pbr 7 Tierra de sombra tostada
Blancos, grises y negros
  • Pbk 19 + Pbk4 + PBK6 Gris de Davy
  • Pbk 6 + PB29 Gris de Payne
  • Pbk 6 + Pbk 15 + Pbk 18 Gris neutro
  • Pbk 6 Negro humo
  • Pbk 8 Negro carbón
  • Pbk 9 Negro marfil
  • Pbk 6 PB 60 Índigo
  • Pbk 11 Negro de marte
  • PW 4 Blanco de china o cinc
  • PW 6 Blanco de titanio

CARTAS DE COLORES DE FABRICANTES – Ejemplos de colores profesionales con definición de sus pigmentos.

Óleos Van Gogh

Óleos Van Gogh

Óleos Amsterdam

Óleos Amsterdam

Óleos Maimeri Puro

Óleos Maimeri Puro

El Arte de pintar veladuras

Una veladura es una capa de pintura muy fina y de color transparente que se aplica sobre un color opaco.

Tiene dos objetivos o cualidades:

1º. Al ser transparentes, las veladuras permiten pasar la luz que se refleja sobre la capa de pintura de base, aumentando su luminosidad.
2º. Al tener color la propia veladura, se combinan los dos colores; el de la veladura y el de la capa aplicada debajo, con lo que se genera un nuevo color muy distinto del que tendríamos al mezclar ambos colores en la paleta.
Autorretrato de RembrandtMenina de Velazquez
Retrato de Rembrandt, un gran trabajo tonal.

Mediums para crear veladuras.

Resinas:
 1- Medium de copal. Proporciona luminosidad a la pintura pero con los años tiende a oscurecerse y agrietarse.
 2- Barniz de aceite y copal. Debe utilizarse sin mezclar con otros disolventes, pues ya contiene el aceite. También se oscurece y agrieta.
 3- Barniz de almáciga. Este es uno de los mejores mediums para veladuras. Da muy buen resultado con un poco de aceite (hasta un tercio) para que al secar quede fuerte.
 4- Barniz de dammar. Similar al almácigo, se debe mezclar con aceite (un tercio por tres partes de barniz). Es un barniz brillante.
 5- Medium de Maroger. Sirve para veladuras o pintura opaca. Es un líquido amarillento denso y cremoso.
Barniz - medium para veladuras
6- El Barniz Holandés. Uno de los barnices comercializados y que sirven también  para hacer veladuras.
* Tiziano, gran maestro de las veladuras, las utilizaba para ajustar el color de determinadas zonas en sus obras. Muchas veces, las aplicaba con los dedos en lugar del pincel, pues así se consigue más suavidad.
Otros expertos de las veladuras y del trabajo tonal son Velazquez y Rembrandt:
Menina de Velazquez
Menina de Velazquez, con gran trabajo de veladuras para añadir color a las telas.

Colores para veladuras.

Los colores que se utilicen para crear la veladura deben ser de característica transparente. Hay colores con mayor o menos opacidad, por lo que cuanto más opaco es un color, menos dejará pasar la luz con una veladura. También se puede diluir más esos colores con más médium. No se debe añadir en exceso el diluyente, pues el objetivo es mezclar visualmente los colores. La pintura de abajo debe estar totalmente seca o se disolvería con la nueva pintura encima.
Se pueden comprar los médiums pero si se desea crear uno con barniz de almácigo se deben poner dos partes más una parte de aceite de linaza espesado al sol.

Cómo aplicar una veladura (pintura al óleo)

Hay que apoyar el lienzo sobre una superficie horizontal para evitar que se escurra la pintura. Aplicamos la pintura con un pincel de cerda o e marta, o incluso, se puede usar un pincel de marta de abanico, una brocha de afeita (de suaves pelos), un trapo suave o con los dedos. Y se cubre la zona deseada con la capa de veladura.

Cuando usar las veladuras

No deben utilizarse para todo el cuadro sino para modificar ciertas zonas. Para rectificar el tono de color, para aclarar u oscurecer. También para intensificar las sombras y las luces.
Además, puede jugarse con veladuras más o menos densas. Y también puede aplicarse pintura opaca sobre sobre una veladura, por ejemplo para añadir un brillo blanco.
Para pintar sombras con efecto realista deben utilizarse veladuras que ajusten los tonos.
Y las veladuras, sirven también, para enriquecer de color las pinturas.

Pintar sombras y luces.

Pintar sombras y luces.

Pintar sombras y luces es uno de los ejercicios más importantes en pintura. Constituye un estudio tonal que comprende a la vez el matiz del color (tipo de color: rojo, azul, verde…) y su cantidad de luz.
Las variaciones de luz, o sea el tono, constituyen la complicada visión del entorno. Vemos gracias a estas variaciones puesto que la visión del mundo no es posible ni en el extremo de máxima luminosidad, ni en el oscuridad absoluta. Por ello, todo tiene un tono más o menos cerca de la luz o de la oscuridad.

La Dimensión tonal
estudio-tonalestudio-tonal-con-matiz
Gradación de Blanco a Negro (el gris no tiene matiz de color). Y gradación tonal de matiz verde-azulado.
El valor de los tonos en la imagen de grises se corresponde con el valor del tono en la imagen de verdes.
Las sombras no son todas del mismo color sino que se adaptan al color de los materiales, más la suma del color de la propia luz e incluso la suma de los otros colores que reflejan su luz.
El dibujo de las sombras
Por otra parte,la forma de las sombras es un estudio lógico y matemático. Dependerá del objeto cuya sombra se proyecta y de la superficie donde se esté reflejando. También puede haber otros elementos intermedios como la atmósfera.
Si se hace de modo irracional o se pinta una sombra deformada, la psicología humana está preparada para detectar la separación con la realidad. Por supuesto, son decisiones del artista hacer las sombras más o menos realistas, para que sean más expresivas por un motivo determinado.
Para quien desea pintar una sombra coherente con la realidad, estos son algunos principios del Efecto y la Acción de las sombras en las superficies:
Principios básicos para pintar sombras
Direcciones de las sombras en los objetos con un foco de luz central.
ACCIÓN Y EFECTO DE LA LUZ SOBRE LOS OBJETOS
TIPOS DE LUZ Y TONOS
Sombras - explicacion1
* Notesé cómo el objeto recibe luz dentro de su parte sombreada.
DIBUJO DE LA SOMBRA DE UN OBJETO RECTANGULAR
sombras-explicacion2
La fuerza de la luz o cantidad y la posición influirá en la forma de la sombra.
SOMBRAS EN UN OBJETO ESFÉRICO
sombras-explicacion
La forma del objeto que se interpone entre el foco de luz y el suelo determina la forma de la sombra. La variedad tonal también depende de esta forma y su recepción de reflejos.
LA BELLEZA DE LAS SOMBRAS
En esta obra de George Shook podemos ver el complejo dibujo entre zonas iluminadas y sombras proyectadas, en el propio sillón y en el suelo. El foco de luz está perfectamente definido y la representación de la realidad bien comprendida. Es este un buen ejemplo de dibujo de las sombras.
Sillón de Mimbre de Georg Shook
sillon-mimbre-george-shook
Por otra parte está el color de las sombras. Monet y los impresionistas defendieron la varedad cromática de las sombras y revolucionaron su representación. Por ello añado aquí unos ejemplos de Monet.
Pinturas de Monet
La Urraca
La Urraca de Claude Monet
La sombras son azules por su relación con la nieve y el hielo. Monet pintaba las sombras con los colores complementarios. Violetas y azules como contrarios a amarillos y rojizos.
Otoño en Argenteuil
Otoño en Argenteuil de Monet
En esta pintura las sombras de los árboles reflejadas en agua generan el enrojecimiento correspondiente a los árboles, dentro del agua. El agua recibe el tono y matiz de los árboles al recibir reflejos de luz que proviene de él.
La sombrilla
La sombrilla de Monet
Contraluz donde la verde hierba recibe una sombra que le añade color azul. Las ropas de la mujer tienen azules, violetas y amarillos (reflejos). El contraste de luz y sombra es espectacular y a la vez más variado por el uso de más matices de color.Pintar sombras y luces es uno de los ejercicios más importantes en pintura. Constituye un estudio tonal que comprende a la vez el matiz del color (tipo de color: rojo, azul, verde…) y su cantidad de luz.
Las variaciones de luz, o sea el tono, constituyen la complicada visión del entorno. Vemos gracias a estas variaciones puesto que la visión del mundo no es posible ni en el extremo de máxima luminosidad, ni en el oscuridad absoluta. Por ello, todo tiene un tono más o menos cerca de la luz o de la oscuridad.

La Dimensión tonal
estudio-tonalestudio-tonal-con-matiz
Gradación de Blanco a Negro (el gris no tiene matiz de color). Y gradación tonal de matiz verde-azulado.
El valor de los tonos en la imagen de grises se corresponde con el valor del tono en la imagen de verdes.
Las sombras no son todas del mismo color sino que se adaptan al color de los materiales, más la suma del color de la propia luz e incluso la suma de los otros colores que reflejan su luz.
El dibujo de las sombras
Por otra parte,la forma de las sombras es un estudio lógico y matemático. Dependerá del objeto cuya sombra se proyecta y de la superficie donde se esté reflejando. También puede haber otros elementos intermedios como la atmósfera.
Si se hace de modo irracional o se pinta una sombra deformada, la psicología humana está preparada para detectar la separación con la realidad. Por supuesto, son decisiones del artista hacer las sombras más o menos realistas, para que sean más expresivas por un motivo determinado.
Para quien desea pintar una sombra coherente con la realidad, estos son algunos principios del Efecto y la Acción de las sombras en las superficies:
Principios básicos para pintar sombras
Direcciones de las sombras en los objetos con un foco de luz central.
ACCIÓN Y EFECTO DE LA LUZ SOBRE LOS OBJETOS
TIPOS DE LUZ Y TONOS
Sombras - explicacion1
* Notesé cómo el objeto recibe luz dentro de su parte sombreada.
DIBUJO DE LA SOMBRA DE UN OBJETO RECTANGULAR
sombras-explicacion2
La fuerza de la luz o cantidad y la posición influirá en la forma de la sombra.
SOMBRAS EN UN OBJETO ESFÉRICO
sombras-explicacion
La forma del objeto que se interpone entre el foco de luz y el suelo determina la forma de la sombra. La variedad tonal también depende de esta forma y su recepción de reflejos.
LA BELLEZA DE LAS SOMBRAS
En esta obra de George Shook podemos ver el complejo dibujo entre zonas iluminadas y sombras proyectadas, en el propio sillón y en el suelo. El foco de luz está perfectamente definido y la representación de la realidad bien comprendida. Es este un buen ejemplo de dibujo de las sombras.
Sillón de Mimbre de Georg Shook
sillon-mimbre-george-shook
Por otra parte está el color de las sombras. Monet y los impresionistas defendieron la varedad cromática de las sombras y revolucionaron su representación. Por ello añado aquí unos ejemplos de Monet.
Pinturas de Monet
La Urraca
La Urraca de Claude Monet
La sombras son azules por su relación con la nieve y el hielo. Monet pintaba las sombras con los colores complementarios. Violetas y azules como contrarios a amarillos y rojizos.
Otoño en Argenteuil
Otoño en Argenteuil de Monet
En esta pintura las sombras de los árboles reflejadas en agua generan el enrojecimiento correspondiente a los árboles, dentro del agua. El agua recibe el tono y matiz de los árboles al recibir reflejos de luz que proviene de él.
La sombrilla
La sombrilla de Monet
Contraluz donde la verde hierba recibe una sombra que le añade color azul. Las ropas de la mujer tienen azules, violetas y amarillos (reflejos). El contraste de luz y sombra es espectacular y a la vez más variado por el uso de más matices de color.

Regla de la seccion dorada


 
 ¿QUÉ ES LA "REGLA DE LA SECCIÓN DORADA"?
       Vamos a ver hoy una regla matemática que descubrió Euclides en el siglo III a.C. pero que tiene vigencia aún hoy para utilidad del artista en el momento de proceder a encuadrar la futura obra que pretenda abordar, y por tanto a la hora de componer la misma.
      Fué el matemático Pacioli quien en el siglo XV descubrió la mencionada fórmula y procedió a reflejarla en un libro que escribió ("Divina Proportione") y que ilustró Leonardo da Vinci, donde se propuso desarrollar la citada fórmula, la cual en esencia lo que hace es establecer los "puntos dorados" o "estética de las proporciones" (como los llamaba Euclides).
     Viene a decirnos que "para que un espacio dado, el cual es dividido en partes desiguales resulte agradable y a la vez sea estético, deberá haber entre la parte más pequeña y la mayor la misma relación que entre dicha parte mayor y el todo". Lo explicado anteriormente se puede ver claramente en la siguiente imagen:
LA SECCIÓN AUREA EN PINTURA
     Donde suponemos que tenemos una superficie (un lienzo por ejemplo) de unas medidas determinadas; entonces lo que haremos será multiplicar tanto el ancho como el alto del mismo por 0,618, es decir, si mide de abajo hasta arriba 56 cm. lo multiplicamos por dicha cifra y nos dará 34,6 por lo que hacemos la marca superior trazando una línea; seguimos ahora y repetimos esa medida desde arriba hacia abajo por lo que tendremos otra línea.
     Ahora realizamos la operación a lo ancho, supongamos que el lienzo tiene 78 cm. así que habrá que multiplicar por 0,618 y obtendremos 48,2 cm. por lo que llevamos esa cifra de derecha a izquierda y trazamos la vertical izquierda, luego repetimos de izquierda a derecha y trazamos la vertical derecha a 48,2 cm. desde el lado izquierdo.Tendremos así cuatro líneas que al cruzarse nos darán los "cuatro puntos dorados" agradables y estéticos de los que hablábamos.
      Esto llevado a la práctica significa que en toda composición que realicemos a la hora de pintar un cuadro, debería tener en cuenta entre otras, la regla que acabamos de ver, así lo han hecho artistas famosos como Monet:
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     Vereis cómo si efectuais los cálculos, ha tomado para el horizonte la línea inferior que veíamos hace un momento y además ha hecho que el peso del cuadro (los árboles) coincida con los puntos de intersección que también hemos visto. Pero por si no queda claro, el propio Monet en su cuadro "Poppy Field.." nos dá otra lección sobre el uso perfecto de la sección dorada, fíjate:
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     El horizonte alto y los pesos de los colores colocados en los lugares adecuados, así que como no podía ser de otra manera: resultado agradable y estético. ¿Y qué decir del gran maestro Van Gogh cuando tuvo la genialidad de crear esto?:
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     Su famoso "Trigal con cuervos" donde podeis recrearos y comprobar con qué maestría llevó a la práctica todo lo que hemos visto. Saludos amigos, espero como siempre que este tema os haya parecido interesante, con lo cual me doy por bien pagado. Muchas gracias por la visita, y hasta la próxima.      
Informacion tomada de http://www.deseoaprender.com/SeccAurea/PagSeccAurea.htm

El color carne en pintura



 EL "COLOR CARNE" EN PINTURA
      Voy a tratar hoy un tema que creo muy interesante para cualquier artista, y en especial para aquel que se sienta inclinado a pintar la figura humana bien sea en retrato individual o en una vista en que aparezca aquella; dicho tema es el de encontrar una respuesta a la pregunta ¿de que color es la carne?, y la respuesta inmediata será "no hay un único color carne".
      Ello es debido a que dicho color depende mucho de las características de la piel --podrá ser morena, blanca, sonrosada, con tendencia enfermiza...y enfín de persona anciana o muy joven--, sin olvidar que también variará en función de la luz que reciba, que podrá ser natural o artificial.-Sin olvidarnos que será además el artista quien decida la paleta que vá a usar y por tanto los colores con los que jugará en su pintura.
     Vamos a tratar de verlo todo poco a poco y a ver si soy capaz de transmitir los conocimientos que tengo sobre el tema, para que luego cada uno sepa interpretarlos y adaptarlos a su estilo propio, de manera que pueda elegir lo más adecuado en cada caso.
     Creo que unas imágenes os darán una idea muy clara de la interpretación tan diferente que han hecho diversos artistas sobre el color de la carne, y de como tratándose de colores tan diferentes los elegidos, la carne ha sido perfectamente representada, observad:
curso pintura: el color carne - pintura de Andrè Derain        Tutorial gratis pintura: el color de la carne.Muestra obra de Gauguin        Color carne en pintura: ejemplo con obra de Lucien Freud
        Se aprecia perfectamente como en el primero de la izquierda, Andrè Derain hace un uso de cualquier color imaginable y contrastes muy acusados, pero perfectamente estudiados; en el del centro Gauguin nos muestra una de sus obras sobre mujeres tahitianas que tan bien conocía, donde la paleta mucho más limitada consigue igualmente transmitir el color carne característico de los habitantes de aquellas latitudes.Finalmente, a la derecha vemos un fragmento de una obra de Lucien Freud en el que nos aparece una piel totalmente distinta a las anteriores y que representa a la perfección una tez pálida tan diferente de las otras dos....y seguimos.
      Comprendereis pues que ante la pregunta ¿que colores para la carne?, la respuesta es muy simple, pero es que no hay otra: cualquier color resultado de la mezcla del amarillo, rojo y azul, con o sin el blanco; habrá que saber elegir el amarillo, rojo o azul adecuados en cada caso y mezclarlos en las proporciones justas, sin que tengan que intervenir los tres a un tiempo.Si además tenemos en cuenta que el pintar el color de la carne, es pintar un degradado que vá de las partes más luminosas hasta las más oscuras en sombra de una forma progresiva y evitando las durezas, todo ello mediante el oscurecimiento de las mezclas de forma correcta.
      Deberemos también tener muy en cuenta que además será muy importante relacionar los colores de la figura y los del ambiente, para que toda la obra tenga uniformidad.
     Por lo general, los colores que necesitaremos usar cuando pintemos el color de la carne van a ser: BLANCO, AMARILLOS CADMIO Y LIMÓN, OCRE AMARILLO, VERDE ESMERALDA, ROJO CADMIO, CARMÍN DE GARANZA, y AZUL ULTRAMAR que usados convenientemente nos van a permitir un amplio abanico de tonos-carne.
Veamos algunas mezclas posibles:
      * Amarillo limón+rojos+blanco nos darán unos colores perfectos para zonas iluminadas que podremos ir oscureciendo y matizando con toques de ocre, pudiendo jugar con las mezclas para obtener colores más rosáceos o acarminados.
     * Amarillo cadmio medio+rojos+blanco que nos dará mezclas algo más apagadas y tendencia al naranja, pudiendo también oscurecer con toques de ocre; serán algo más "calientes" que las anteriores, como consecuencia del amarillo usado.
     En ambos casos, el paso gradual a las zonas oscuras se hará como hemos dicho con toques de ocre, pero si queremos acentuar las sombras sin saltos bruscos, tenemos la ayuda de los colores tierra (siena natural y tostada), y además del azul ultramar, siempre sin pasarse.
Pero si queremos adentrarnos en una gama fria de tendencia verdosa:
      * Amarillo cadmio medio+Ocre+Verde permanente+Blanco
     * Amarillo limón+Ocre+Verde perm.+Blanco, y para oscurecer, Siena tostada
(siempre tener en cuenta que los toques de verde, ocre y siena deberán ser muy tenues porque es muy fácil pasarse sin solución, salvo empezar de nuevo)
     * Amarillo cadmio medio+Ocre+Verde esmeralda+Blanco será otra mezcla que dará mucho juego y que se irá oscureciendo con Siena tostada.
      Y no olvidemos que a su vez el Siena tostada podremos oscurecerlo con unos ligeros toques de azul ultramar, lo que nos permite tener nuevas mezclas de cara a obtener las zonas en sombra.
      Será la experiencia y la práctica la que nos permita observar qué colores son los más adecuados en cada caso, teniendo en cuenta el planteamiento que vayamos a hacer de la obra.Sabeis también que en toda sombra intervendrá probablemente el color azul, además del color de la carne en tono oscuro y a veces incluso el color complementario del usado.
      Todo depende del deseo que tengamos de contrastar e incluso dramatizar el juego luz-sombra. Lo más emocionante en pintura es experimentar, pues tenemos en nuestras manos los medios (los colores) y cada uno según su particular visión del tema, hará el uso que crea mejor de dichos medios. Ved en este cuadro de Andrè Derain "Retrato de Matisse", como supo llevar al extremo lo que acabo de explicar respecto a complementarios, matices, etc...:
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      Impresionante ¿verdad?, pues no te cortes y deja volar la imaginación, experimenta con diversas gamas, con colores complementarios, con degradados suaves y potentes como este, puesto que solo tú deberás encontrar EL COLOR DE LA CARNE, "tu color de la carne"; puedes ver a continuación como lo interpretó Picasso en una de sus obras "Retrato de Olga":
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      Aquí todo está perfectamente calculado, no solo la figura sino el entorno.     
Nota : Informacion tomada de http://www.deseoaprender.com/ColorCarne/PagColorCarne.htm